The Legend Of Korra

La tendència en els dibuixos animats occidentals d’avui: globalització, progressisme i qualitat

A dos anys per tancar la dècada del 2010, podem mirar enrere i veure el canvi en ambicions i valors que ha pres l’entreteniment per als nens a l’animació als estats units.

Els dibuixos s’estàn transformant en quelcom transnacional, cosa que vol ser l’objectiu també de les nouvingudes produccions animades de grans plataformes de televisió per internet com Netflix o HBO. Aquests agents del mercat són conscients que internet ha estat fent la feina bruta de portar programes de qualitat d’una banda del món a l’altre on no hi tenen distribució, posant com exemple, quan la televisió catalana va deixar de invertir en anime japonès quan hi havien acostumat el públic durant vint anys.

La presència d’un internet que posa a l’abast un món sense fronteres ha portat a l’auge del dibuixos de culte que tenen bases de fans clares que es troben a la xarxa, en espais com tumblr o deviantart. Els artistes tenen també cada cop més influències i més variades a la seva feina, i el seu talent jove normalitza els valors del nou segle.

Podem parlar de The Legend Of Korra (Nickelodeon, 2012–), una fantasía d’acció amb una protagonista forta que té tendències bisexuals i que no está caracacteritzada com a ultrafemenina com podria haver-ho estat una heroina més clàssica com la Sailor Moon. Una altra heroina és Star Butterfly de Star vs. The forces of Evil (Disney XD, 2015-), una princesa que no controla els seus poders màgics sent esbojarrada i maldestre al més pur nivell de Daniel el Travieso.

El segon protagonista de la sèrie és un adolescent mexicà que sap karate, cosa que mostra el suport de Disney cap als “latinos”, un dels grups socials menys representats d’Estats Units, fent de Star Vs. The Forces of Evil junt amb la película Coco (Pixar, 2017), dos recolzadors aférrims del moviment Dreamer, dels joves de families inmigrants hispanes que volen integrar-se a la societat americana amb una actitud exemplar a les escoles, però que no podràn fer-ho amb les lleis DACA derogades per Trump.

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Si estem parlant de dibuixos amb milatantisme, podriem parlar de Steven Universe (Cartoon Network, 2013–) on tres heroïnes, les “gemes de cristall” eduquen a noi de 12 anys mentres protegeixen la terra d’una invasió extraterrestre, deconstruint l’esquema de la familia tradicional i trencant el que els activistes LGBT adverteixen negativament com heteronorma. Com a éssers inorgànics, les gemes de cristall no tenen gènere pel que poden tenir relacions platòniques entre sí, per molt que estiguin caracteritzades indistintament com a dones.

L’èxit LGBT amb més bombo de l’any en matèria de dibuixos animats podria ser, tot i així, el curt gay In A Heartbeat (2017) sobre dos nens enamorats. No és difícil fer un curt així, en especial quan se’n encarreguen un parell d’estudiants d’acadèmia d’arts per a portar-lo a festivals, però si és fàcil que les grans productores dirigides per l’ànsia comercial rebutgin aquestes idees. In a Heartbeat és, sense massa mèrit, la primera bombolla en arribar a la superfície del que sembla ser una nova generació d’artistes.

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Al bressol de l’animació Americana moderna, l’acadèmia d’Arts de Califòrnia fundada per Disney en persona, saben una cosa o dos sobre anar contra un corrent que els demana ser metges i viure de diners, a més són joves amb gran sensibilitat, apasionats pel còmic i el manga. Els estudiants d’arts estàn ja a un altre nivell de consciència, i veuen superades aquestes lluites socials que els nascuts als 80 i abans necessiten repetir-se com uns lloros fins que les aprenen. D’ells aprenem  que la

millor transgressió és la aplicació cotidiana dels propis valors, que un projecta en la seva obra el que li hauria agradat veure. Ells fan de la inclusió social una cosa orgànica, mentre que molts altres competidors ho fan semblar una cuota de representació que s’ha de complir per a tenir més públic. Aquest es l’estat de l’art a nord Amèrica.

Potser n’hem après alguna cosa a Espanya, en una indústria molt pobre, on la emergent productora Kotoc ens ha deleitat amb la protagonista femenina dels dibuixos de futbol fantastic Sendokai Desafío Champions (RTVE, 2013— ), un cosí de Futbol galàctic (France 2, 2006) orientat per al públic de 6 a 10 anys. O potser no n’hem aprés, tenint en compte que la següents aposta  de la mateixa productora són una espècie de legos fent humor escatològic. Si és una cosa o altra, només el temps ho dirà.

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Aquest article va ser publicat primer com una tribuna d’opinió en Aranés a La Gaseta Occitana d’Informacions Jornalet, a dia 02/02/2018.

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Kimi no na wa (Your Name, 2017): Makoto Shinkai recuerda su nombre

Últimamente, estoy viendo esas aclamadas películas del año pasado y que pasé por alto. Ayer fue el turno de Kimi no Na wa. La miro con recelo porque no me gusta Makoto Shinkai y no le perdono en absoluto que en algún momento hiciera 5 centímetros por segundo, y en ella su posado intensito y cursi, un ritmo tan lento como un cercanías Barcelona o su ausencia de personajes memorables. Kimi no Na wa se nos presenta como algo similar a un apéndice de esta. Si Kimi no Na wa es el anime del año 2016 distribuido en España en 2017, seguramente debería competir a justícia por su título con Koe no Katachi, del mismo año pero nunca elegida por Selecta Visión para llegar a nuestros lares, lo mejor de Naoko Yamada después de dejar el género Idol.  Creo que el director de anime de nuestro tiempo es Mamoru Hosoda, y que Makoto Shinkai está trabajando con éxito para poder arrebatarle el puesto, pero va a tener que darnos algo distinto.

Tras exiliarse a Agartha, Makoto Shinkai quiso hacer algo más adulto en El Jardín de las Palabras, donde su gravedad metafísica se hace mucho más coherente, pero era una película sencilla, poco ambiciosa en planteamiento (pero funcional) que no apuntaba más allá.

Tu nombre ha sido su redención en el género shôjo, y podemos juzgar que estos nueve años de carrera han jugado a favor de Shinkai.

La idea de la cinta parte de una tópico romántico raído como el hilo rojo del destino, pero lo resignifica a través de una lógica propia que desarrolla giros de trama inesperadas y lo abre a muchas posibilidades.

Por una vez, esta es una película con un gran ritmo gracias a la narrativa de Ponte en mi Lugar, el intercambio de cuerpos entre una chica de pueblo y un chico de ciudad. Es siempre entretenida y se dirige dónde quiere ir: cuando no es una película amable es porque hay un misterio, y cuando no hay un gran obstáculo que se quiere evitar. Se puede decir lo mismo de su fantástica música que también le aporta un gran ritmo y sigue por generar este embalaje de momento músical, de anime impostado: puede que esta sea una de las razones que han hecho a Kimi no Na wa tan exportable, y haya hecho de ella un punto de entrada de muchos neófitos a este tipo de cine.  Y es que este película de animación no sólo tiene opening, si no que tiene cuatro temas principales.

Hay que añadir que para al tono dramático al que nos tiene acostumbrados Makoto-sama, esta película termina bien, sin pasarse, con grandes paralelismos a aquel anticlímax de 5 cm/s, y la escena es tan parecida que casi parece una carta abierta de disculpa para todos los que la vimos, que demuestra que ha madurado precisamente deshaciéndose del derrotismo y gravedad adolescentes, que una película romántica puede mantenerse en la memoria sin que se termine el mundo de los protagonistas.

La sensibilidad mezclada con la trama sobrenatural, la música, esa superforma del anime contemporáneo y el uso de decorados bellicistas por ordenador que siempre ha definido a Shinkai y que ya ha perfeccionado, han hecho de esta una película que ha calado en los cines, y yo estoy dispuesto a secundarlo.

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Porky in Wackyland (1938)

Os dejo la comparación de estos dos cortos de Porky: el original “Porky to Wackyland” y el remake en color “Dough for the Do-do“. Nunca había visto nada tan surrealista en Looney Tunes o Merry Melodies, podéis ver la clara influencia de Dalí en el segundo. Aporta un clima extraño a la clásica dinámica de estos dibujos, lo cual me parece muy original. ¡A la caza del dodo!

Arranca Más allá del Jardín

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Una nueva miniserie de animación llega por fin a España. Esta noche, a las 9:10 en Boing y durante una semana podremos adentrarnos en los bosques de Lo Desconocido, un purgatorio otoñal y oscuro donde moran espíritus y donde lo animal se mezcla con lo humano. Wirt y Greg son dos hermanos perdidos que con la ayuda de Beatriz, un pájaro hablador de mal carácter, intentan encontrar el camino a casa. He de decir que me he encariñado de ellos, de su inocencia, su alegría y su sentido del humor.

El verdadero protagonista, aún así, es la ilustración embellecida, gozando también de una cuidada atmósfera musical que nos devuelve al pasado de los cuentos y las canciones populares. Se trata de una fábula inspirada por el folklore americano, trazando una linea hacia el estilo de Alícia en el país de las maravillas, aunque sin absurdismos.

Siendo a medias musical, y otro tanto aventura fantástica y comedia, Más allá del Jardín nos ofrece entretenimiento de gran calidad, animación con regusto artesanal que se incluye dentro de una nueva corriente que sabe su público, pero se desliga del infantilismo y se lo toma en serio.

Es fascinante el uso del formato de once minutos, de narración condensada y concluyente sin que un capitulo se haga corto. Se construye un buen arco argumental e incluso se le pueden dar implicaciones alegóricas. Se produce un interesante giro de guión, (Spoiler con queja personal) es fantástico como una vestimenta extraña y un par de lineas de poesía puede hacernos creer que todo sucedía en el pasado cuando se trataba del presente, pero a mí me falla algo. Se entiende el disfraz de gnomo, pero ¿porqué Greg, con un disfraz improvisado con una tetera, viste con una ropa tan anticuada? Peto verde para Greg, tirantes para su hermano… En casa les visten de personitas. Lo único que se me ocurre es que vienen de una familia anclada en el pasado o pobre, donde visten la ropa del abuelo. Está cogido con pinzas. (Fin de Spoiler con queja personal) Última queja, también tiene un capítulo de relleno que rompe el toque oscuro sin ninguna justificación,para llegar a los 10, a ver quién me sabe decir cuál es. 😉

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Os dejo pues con Más allá del Jardín. Con el doblaje de Michelle Jenner, o bien en v.o. con Elijah Wood (Frodo en El Señor De Los Anillos).

Lo mejor: Ambientación y atmósfera. Personajes (geniales). Diálogos.

Lo peor: corta, quizás demasiado “americana”.

La nota: 8,5, aunque no se puede poner a la altura de Ghibli, es un salto cualitativo en el Prime Time televisivo.

Shingeki no kyojin en un cuadro de Goya y Terra Formars no mola.


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Shingeki no Kyojin fue aclamado ampliamente y ahora esperamos las películas con actores.  SNK es un anime transgénero porque mezcla monstruos colosales con megamechas de carne y hueso, intrigas conspiranoicas y un gran misterio en un mundo de semblante medieval. 

Ataque de Titanes bebe del cine kaiju japonés. Aunque luego la trama va más allá, Shingeki no Kyojin parte de la maldad irracional de los monstruos y la tremenda desventaja de los humanos en un juego en el que desearían no tomar parte. El humano es pequeñísimo frente a las fuerzas de la naturaleza que lo aplastan para su diversión y no hay manera posible de ganar. colosEl argumento lo he vuelto a percibir recientemente en el anime Terraformars (los monstruos son en este caso cucarachas marcianas superevolucionadas), pero me da que no es nuevo. Todo eso, de la nimietud del hombre y la naturaleza desatada, me hace venir a la cabeza El coloso de Goya (1808-1812).  A su vez, el coloso representaba la fuerza devastadora de la guerra civil. En Shingeki no kyojin, los titanes són simbólicamente para los personajes la extrapolación al límite de una sociedad podrida per se. goya_saturnoLa sensación producida al ver como un titan devora a un humano es tan “Goyesca” como ver a Saturno zampándose a sus hijos; nunca dejando un cuerpo sin desmembrar; deteniéndose en el instante grotesco. A su lado, una boa comiendo una presa, sin masticar, ya aturdida, higiénicamente y sin sangre, parece tener la decencia de un marqués en un banquete.

Muchos adolescentes habrán visto Ataque de Titanes por la explicitud en las muertes. El gore hace mella en esas edades, y Ataque de Titanes es (con las palabras en que lo leí) capaz de convertir la sangre de una decapitación en una hermosa lluvia de pétalos rojos y líquidos (la verdad es que era visualmente bonito y aterrador a la vez). Se trata de la fascinación por lo grotesco de Goya, pero que exacerbado en algunas películas comerciales o en el anime Terra formars ralla el sinsentido.

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Porque ahora voy a hablar de Terraf ormars, y eso no me hace ninguna gracia. Comentemos los primeros episodios. Dejaré de lado que el diseño de personajes y el estilo de dibujo no me gustan. La historia cuenta como una expedición desesperada para colonizar marte topa con que sus intentos para hacerlo habitable ha resultado en una plaga de monstruos cucaracha de fuerza sobrehumana. Las cucarachas tienen cara de bobo, como los titanes, para apuntar a su “falta de humanidad”, pero como los titanes, son más listas de lo que parecen. Terra formars tiene ese elemento de SNK de el miedo frente a un enemigo que te supera y que te sorprende cada vez que tienes controlada la situación. Sin embargo me pareció que el único interés era mostrar una muerte tras otra. Muertes con la morbosidad de una película de serie B; espinas dorsales arrancadas de cuajo y usadas como látigo; cráneos que revientan al chocar con otros; etc. Lo peor es que en anime no funciona. Será por la censura?

En realidad, creo que poner Terra formars en imagen en movimiento es restarle espectacularidad. Terra formars es muy violento y sangriento, y aún así quiere jugar la carta de la sobriedad cuando podría aplicarle la parafernalia de relentización del tiempo, reacciones de los personajes, y repetición desde distintos planos en momentos críticos que se ve en otros animes. Pero el manga como medio tiene una temporalidad distinta, y quizás es la culpable misma de esos efectos en su adaptación. El hecho que el comic y el manga son secuencias de imágenes da que solo pueda enseñarse el momento álgido de cada acción. Para Terra formars, esto se traduce en impacto visual. Vemos en las viñetas el momento decisivo de las muertes, el más impactante, mientras que en el anime este fotograma se diluye entre los otros veinticinco que se dan en cada segundo. En efecto, opino que el manga de Terra formars ha de ser mejor. Tengo oído que desarrolla mejor las histórias de los personajes, aunque eso desemboca a menudo en falsas pistas y la muerte de los mismos.

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A pesar de todo, anime como manga muestran la misma tara y es que da la sensación de que la trama no avanza. La atmósfera de Terra formars resulta muy pesada y oscura porque no hay ningún descanso en su violencia. No existe la mínima brecha de esperanza, y si la hay, es para ser arrancada al momento. No hay ni descanso visual. Lo digo por ese maldito filtro de degradado blanco que me sacó de mis casillas. Sobre todas las escenas, como queriendo darle volumen, realismo, o luminosidad, aún no lo sé del cierto.

No me gustó Terra formars, porque me pareció de mal gusto, me hizo sentir incómodo. Y no fue una buena sensación. ¿Sabes ese margen que concedes a las películas de terror para que experimenten con tus sentimientos de miedo, de asco y puedas seguir pasándolo bien… ? Pues yo no lo pasé bien.  Terra formars o se me hacía tedioso o me hacía sentir violado. Terra formars no es más de lo que enseña. Me parecía todo morboso, sádico, ¡emo!

En cambio SNK puede ser gore y seguir encantándome. Tiene esa chispa romántica -volviendo a Goya- en que la catástrofe no hace que el héroe se retire sinó que la catástrofe arroja al héroe a intentar vivir con todas sus fuerzas aún sabiendo que el camino estará manchado de tragedia. Ésto és, le impulsan hacia un conflicto apasionado.

‘Persépolis (2007)’: La patria perdida

Persépolis es la culminación del trabajo autobiográfico de Marjan Starapi en la historieta homónima que disecciona los cambios políticos en Irán tras la caída del Sha Reza Pahlevi a través de la forma como Marjan los vive, y la imposición del fundamentalismo en los años que la preceden.

Al empezar a verla, entendía que era una ficción a través de la cual representar un panorama social. Y no podía evitar creerlo porque conecta con el público.

Marjane es una protagonista absoluta y un personaje bien definido. Para retratar Irán y sus cambios, trabajamos con la oposición: la familia de Marjane es cristiana en unos parajes que acabaran siendo eminentemente islámicos; y por proximidad: la familia de Marjane es próxima al esquema de familia occidental, con un nivel adquisitivo alto ya que es descendiente de la realeza, algo así como la burguesía en Iran. Marjane también sigue la corriente punk y tiene algunos ídolos como Bruce Lee. Marjane además es una chica -como dice ella- íntegra; alguien que no se deja oprimir, y si no fuera así no veríamos de la misma manera el machismo en el islam.

Dicho de otra manera, la directora ha buscado el mejor punto de vista entre los posibles. Marjane es una niña con dos influencias culturales muy grandes: la de su familia, y la de la escuela y sociedad Iraní. Ya desde pequeña se ve influida por la escuela, y juega a ser profeta, pero creando su propio régimen dónde todos sean felices.Tiene ensoñaciones con Dios y Marx. Su abuela, mujer de un revolucionario, es uno de sus mayores referentes, de mente abierta y descarada, es el modelo perfecto de mujer fuerte. Marjan se exilia de manera definitiva a Francia, para poder tener la integridad perdida en su país, pero sin dejar de ser Iraní.

Todo esto me lo creo, pero no me creo que una mujer tan despierta entre en depresión por un mal de amores. Es decir, hay mucho drama, pero acaba siendo excesivo cuando añades este punto, incluso la película es un poco larga porque -bueno- el cómic es largo. El tono de la guerra, Irán… Se rompe un poco aquí.

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Como se intuye, la película tiene un dibujo de cariz expresionista, de blanco y negro, luces y sombras, y una imagen muy plana con poco espacio aparente entre capas que parece solo poderse distinguir por el movimiento. Esta estética está justificada por un flaishback permanente desde la actualidad.

Es una producción independiente, de Satrapi con un amigo dibujante Vincent Paronnaud, hecha en animación tradicional. Satrapi tiene unas ideas muy claras sobre como dirigir a actores y animadores, y ha pensado en todas las implicaciones de sus decisiones. Tomemos por ejemplo, el montaje. Adaptar una historieta requiere movimiento, pero Persépolis se distingue de su fuente original porque consigue enlazar las distintas historias con transiciones solo posibles en la animación dándole al conjunto un ritmo poético, potenciado por una narración que no se queda en el voice-over. Esta difícil tarea solo rompe el ritmo un par de veces y en general es muy innovadora y conseguida. El tema de la película es preponderantemente étnico, pero al usar el dibujo se vuelve un relato universal sobre la democracia, además que lo dota de esa poética especial.

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