‘GATTACA (1997)’ envejece bien

Gattaca es de esas películas caramelo para quienes han estudiado ciencias. El potencial humano es infinito, pero ¿está justificado cualquier avance científico solo “porque se puede hacer?”. La fantasía, en este sentido, se adelanta y especula sobre la moralidad de la ciencia. Quizás les vienen a la cabeza películas como La Isla (2005). En la distopía de Gattaca, no sólo se ha descifrado todo el genoma humano si no que nuestro perfil genético es utilizado para valorar la capacidad de hacer un trabajo, la esperanza de vida, la compatibilidad amorosa y en definitiva la calidad humana. Ante tal desnudez del ser, los ciudadanos del futuro se sienten impedidos de contrariar lo que son y luchar contra las expectativas arrojadas en ellos nada más nacer con la primera secuenciación. Esto es más palpable cuando el método dominante de concepción pasa a ser la fecundación in vitro con selección genética, un termino mejor explicado como eugénesis.

Si el ADN determina quiénes somos… ¿Acaso hay que preocuparse en elegir un destino? ¿Un destino diferente del que han elegido nuestros padres y por extensión la sociedad? Vincent Freeman (Ethan Hawke) nace para demostrar que no hay que resignarse sin luchar, sin dar todo lo mejor de uno mismo.

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El pasado de Vincent está representado por personajes que no se parecen a los actores principales. :/

Vincent Freeman nace de un embarazo natural, con lo que es un humano con muchos defectos rodeado de perfección genética. La gente como él, es discriminada por tener un código genético imperfecto, y solo se les da el trabajo que los demás no quieren. Para que le den la oportunidad de mostrar sus aptitudes, Vincent tendrá que suplantar a un probeta. Mientras todo el mundo se entumece en su perfección y no lucha para mejorar, Vincent trabaja duro y llega a ser reconocido con su sueño: ser astronauta. Hasta que su disfraz empieza a desmoronarse.

Gattaca es una película con un rico fondo, incluyendo el dilema moral ligado a la ciencia genética y cuestionamiento del azar o el determinismo. Esto unido a un guión plagado de llamamientos a la motivación y una música excelsa pero nunca sobreexcedida provocará escalofríos en más de uno.

El protagonista es un rayo de luz que confunde a todos los probetas sin fe en sí mismos: un atleta que a pesar de su físico no ganó el oro (Jude Law), una mujer con baja autoestima por su predisposición a la afección cardíaca que la hace sentir más débil que los demás (Uma Thurman), un hermano perfecto frustrado por haber perdido ante alguien imperfecto. vlcsnap-2015-06-28-22h38m14s147

Uma Thurman en el papel de estirada está bien, pero quién mejor actúa es Hawke, intercambiándose entre un personaje feo y rarito y su nueva identidad de gentleman, incluyendo pequeños gestos que dan matices muy conseguidos.

En el apartado visual, un estilo marcado aunque no por ello afortunado; colorimetría amarilla y azul en menos proporción, potenciada más aún en los flashbacks. Denotan sobretodo el sentimiento de inseguridad de ser descubierto. Destaca la luz verde con sombras. Los momentos realmente estéticos se alcanzan con los planos macro del pelo y piel muerta, esa introducción con las descamaciones minúsculas de la piel nevando sobre el titulo es preciosa. Me encanta como el sonido está amplificado para hacer visible este mundo tan pequeño, pero a la vez tan peligroso para el protagonista. Se agradece la limitada intromisión de los efectos especiales, pasa perfectamente por una película actual.

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La escalera de caracol como referencia a la helicoide. El nombre GATTACA como referencia a los nucleotidos del ADN (G, C, T i A).

Lo mejor: La banda sonora. Su temática sigue de actualidad 18 años más tarde.

Lo peor: Realmente no veo el porqué de tanto amarillo.

La nota: 7,9

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“Ordet (1955)”: La paraula és Déu.

Ordet (1955) és una pel·lícula del danés Carl Theodor Dreyer, té cabuda dins l’existencialisme nòrdic, encapçalat per d’altres autors com Ingmar Bergmann.  El director combina en la seva adaptació de l’obra de teatre la filosofia de Kirkegaard amb l’estètica de Hammershøi. La pel·lícula es centra en Morten Borguen, un pare de família molt religiós que s’acaba qüestionant la fe.

La fotografia d’aquesta pel·lícula, en concret la composició, ajuda a entendre el seu rerefons argumental. S’explica de manera ràpida en dues paraules: dreta i esquerra. Es tracta d’una pel·lícula d’oposició: fe contra ciència, protestants contra catòlics… És una pevlcsnap-2014-07-29-14h32m40s185l·lícula d’oposats. La fe contra la ciència. Creure a mitges contra creure fervorosament. Luteranisme contra l’església de la missió interior. Aquesta dicotomia existeix en el guió pel seguiment de dues històries paral·leles: l’embaràs de la Inger i el tonteig de l’Anders amb la filla del sastre. Però llavors, la pulsió de la mort entra a posar en risc la vida de l’Inger: Ho relativitza tot, i deixa altres problemes en segon terme. Per tant, els dos joves podran estar junts.

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Amb la vista apartada, la desentesa entre les dues religions causa problemes familiars.

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El pastor i el metge, discernint sobre qui cura les dolences: Déu o la ciència.

Separats simètricament per aquesta làmpada, -la raó- pastor i metge viuen en mons separats. Morten Borgen els servirà als dos apareixent intermitentment en cadascun dels costats, sense travessar el llindar.

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“Tú lo verás mejor desde éste lado”

La família és la barrera que s’imposa entre els dos amants. La dida mostra un dibuix a la noia, i el noi s’apropa per veure’l. I per separar-los, li ensenya el llibre en el seu costat perquè no estigui al costat d’ella.

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La nena és l’única que creu en Johannes. És l’única que té la ment prou oberta per a veure-hi.

Per últim, després de ressaltar el simbolisme de la composició, cal destacar la simbologia de tots els elements que entren en segon pla o fins i tot la concepció de personatges sota un simbol o o un altre. Com a exemple, exposo l’escenari més carregat d’aquest film segons el meu parer:

Morten Borgen parlant amb el doctor. Fora de pla, el part s’ha superat amb la mort del nen, i el doctor es renta les mans.

1. Tempus fugit. El rellotge és el símbol del pas del temps que precedeix a la mort. Dins de cada un de nosaltres hi ha el nostre propi rellotge, que avança fins que s’atura. Aquest rellotge al·ludeix clarament algú. Més aviat, s’hauria de prendre com un memento mori. El veurem constantment, i en notarem la presència perquè l’il·luminació li dóna un lloc privilegiat.

2. Existeix Déu en realitat? A “Is There a God?” (article de 1952) Russell va proposar l’analogia de la tetera per a explicar l’agnosticisme: ningú pot demostrar que Déu existeix, o, en tot cas, haurien de ser els creients els que ho fessin. Aquest objecte trenca amb la fe fèrria que es respira per tota la casa i reafirma la necessitat de creure per a fer la creença certa, i no pas, “creure a mitges”.

3. Collige, virgo, rosas. Les flors són un altre Vanitas molt representatiu. Les flors s’acaben pansint, i per molt maques que siguin, moren. És com si parléssim de la nostra embarassada.

4.  Jugar amb la mort. El taulell d’escacs, a la paret de la porta, sembla dir-nos que allà dins algú està lluitant per la seva vida. A “El septimo sello”, que es pot considerar dins el mateix cicle d’existencialisme nòrdic, el protagonista juga a una partida d’escacs amb la mort, sabent que la partida acabi, morirà (l’argument va més enllà d’aixó però cal no allargar-se).

5. El missatger de la mort. El mateix personatge del metge és l’herald que acaba per compondre aquesta imatge.

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La il·luminació irreal del rellotge, i la contemplació del cos per part de Johannes i la nena.

El metge també rep un paper de símbol, en aquest cas, la mort, que s’endú a l’Inger. La mort i Jesús són doncs símbols enfrontats, i es contraposen a l’ensems amb el pastor. Les dos epifanies de Déu i la mort: Johannes i el Doctor. Són la manera en el que el món transcendent (un món que de tota manera ningú entén) s’infiltra a la casa. El pastor és la fe ja asseguda que ens demana que resem, mecànicament, que resem perquè toca. El pastor no arriba mai a dir-hi gaire la seva, i és que potser realment no està en contacte amb Déu.

De la fe que ens ha estat educada a la fe verdadera: al poder d’anar més enllà,no conformar-se en entreveure la fe. Si no creus amb totes les forces, res s’acomplirà.


Escrit originalment el març de 2014.

El color en “SUSPIRIA (1977)” – Dario Argento

Hola petardos. Hoy es miércoles, lo que significa, en Klingon -bueno, en mi variedad de Klingon- HOY TOCA BLOG! Precisamente de Suspiria (1997), esta película de terror clásico de Darío Argento.

Es curioso pensar que el terror de ahora es recordado por los momentos gore, por las imágenes sangrientas que quedan en nuestra cabeza. Si bien yo me esperaba una cinta gore a juzgar por su portada, lo que vi fue un metraje de tensión continua, dónde lo que me quedará es el tamborileo previo al susto (o no-susto). Para poder ver una película con sus tamborileos, evidentemente, os tenéis que lavar de spoilers. No leáis más.

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Los colores están desequilibrados, respecto al balance de complementarios.

Sobre el gore -el que hay- en la película, se trata de un gore precavido (menos es mas) pues sabe que se trata de serie B. En mi opinión solo se desfasa un par de veces. (En la ultima escena no me cuajó mucho).

Qué me gustaría destacar? Los colores, por supuesto. La puesta en escena es un tanto teatral des de la iluminación. Los colores habituales provienen vlcsnap-2014-03-12-21h26m11s51de decorados y son adulterados por focos por ejemplo rojos, por ejemplo azules, o verdes. Un uso que ya habíamos percibido en El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1898) y, porqué no, West Side Story (1961). Este recurso puede servir para ayudar a la composición y al peso compositivo, pero sobretodo, a connotar.

Uno puede imaginarse al ver Suspiria que la mitad del presupuesto ha ido a decorados. Lo recargado de las formas, muchas veces geométricas, repetidas una y otra vez en paredes, ventanas, etc. crea un sentimiento de agobio en el público. Algunas fuentes lo atribuyen a las influencias expresionistas de Argento.

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De la misma manera, a combinación con las luces, tenemos habitaciones rojas, o se nos ponen objetos rojos cada vez que hay tensión. El rojo es el color del peligro, y además es el que supone mas esfuerzo por parte del ojo humano (el que menos cansa la vista es el azul)vlcsnap-2014-03-12-21h19m04s138. A veces se rompe el rojo en momentos críticos para pasar al verde o al azul. Presumiblemente, se trata del momento más difícil antes del susto, en el que el espectador baja la guardia.

 

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Plano a través de una bombilla que se apaga.

Momento crítico.

 

Estancias azules o blancas o de dominante blanca, y iluminadas a la manera tradicional (luz blanca, claro) se yuxtaponen a los momentos de gran tensión. Si no hay rojo en la pantalla, descansa, todo va bien.

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Recuperado de mi antiguo blog. Y no. No es miércoles.

 

Blade Runner (1982)

 

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Hoy me he encontrado con ésta película que ya había empezado hace tiempo pero no había conseguido terminar. Eso sí, habiéndome encontrado con una versión remasterizada de la película, no cabo de mi asombro. Si no me equivoco es el “montaje final”.

Vaya calidad de imagen, la verdad. Con 32 años de edad, parece rodada en nuestros días. Te hace apreciar la fotografía de la película, así como la iluminación, que para mí, sin duda, es el punto fuerte de esta peli. Si te fijas, nunca encontrarás un espacio totalmente iluminado, sino que se intenta mantener la atmósfera futurista (también gracias a la música) a través de los espacios umbríos, incluso en el día, iluminado por un Sol moribundo. La luz es siempre lateral, e incluye el uso de neones y haces de luz. Está embellecida por reflejos, partículas de polvo, lluvia e incluso burbujas de jabón. Las ultimas escenas son geniales, con la casa llena de juguetes a tamaño persona y habitaciones ruinosas, palomas…

La ambientación de “2019” es ciertamente divertida, pues es una proyección del futuro desde los ochenta. Esto se nota desde la inspiración de los vehículos voladores no muy diferentes de los coches y una tecnología VHS superavanzada. Nótese que la replicante Pris “pelofregona” gusta de maquillarse a lo “The Cure”, otro referente ochentero. También se hace referencia al éxodo terrestre a la colonización del espacio y la globalización ya ha jugado su papel a través de la orientalización del mundo occidental.

Pero hablemos de guión. No es un guión excelente, teniendo en cuenta su fuente inspiradora, el libro ¿Sueñan los androides con ovejas electricas? el cuál daba pie a muy buen metraje si se hubiése hecho bien. Pero no, la trama es dispersa y poco profunda. Nada parece ir más lejos de la caza del replicante. Acción y nada más. Qué desperdicio. Aún así siempre es distendida, pues se constituye en un seguido de situaciones antojadizas que descolocan al espectador. Algunos se preguntaran porqué en algunos momentos absurdos. Y no hablo de errores garrafales de guión como el diálogo…

-Me llamo Pris.
+Yo J.F.Sebastian.

Dar tu nombre como aparece en tu documentación es una genialidad, chaval. No Sebastian, pero si J. F. Sebastian ole tu arte.

Pues no, no es que Scott fuera contentillo. Se ve que el histrionísmo de algunos momentos, como las acrobacias de Pris, o otros más trascendentales como el vuelo de la paloma, fueron dados por consejo a la gran flexibilidad y mente abierta del director por parte de los actores, así que no podemos saber qué quedaría en el guión original sin estas improvisaciones tan 2.0.

Y a decir verdad, me preocupa. Porque es un guión tan enjuto… El personaje principal no lo entendí. No entendí qué ocurre con las fotos sobre el piano. No me gusta que sea tan misterioso, no hay donde simpatizar. Simpatizas más con el malo malísimo, que al fin y al cabo solo es una marioneta que quiere ser un niño de verdad.

La subtrama de los enemigos corre lenta y enseguida se va al traste porque el villano tenía un deseo irrealizable. En ese sentido no se puede decir que el conflicto sea difícil de atender y nos lleve a un choque de objetivos protagonista-antagonista. No existe esa tensión en el guión. El espectador sufrirá más que nada por la morbosidad de las imágenes. Es el reconocimiento último de que la letra con sangre entra, y en este caso, que un guión vago pasa mejor si se entierra en capas de imágenes curiosas. Volviendo a éste aspecto tan random de la peli, incluso ya al final hay una rara ida de olla con el rubiales de turno, que empieza a hacer cosas tan irrazonables como quedarse en calzoncillos, clavarse astillas adrede, aullar o entrar a las habitaciones por las paredes en un guiño al Resplandor de Kubrick, para luego retroceder y entrar de nuevo por la puerta, a un palmo de distancia, para remarcar que es un psicópata muy gracioso. El guión se resiente por este cambio de seriedad, aunque no va en contra del espíritu de la película, que nos introduce a los flic-flacs y mortales como armas de destrucción acrobáticas o los búhos como mascotas y a veces simplemente quiere dejarnos fuera de lugar y perturbarnos con sus rarezas.

Quizás esto tenga algo de bueno, al fin y al cabo, le añade algo de imprevisibilidad. Me gusta el romance Deckard – Rachel porque si bien en las películas los líos entre los protagonistas están cantados, aquí no estalla como algo bonito sino en un momento de flaqueza compartido que les hace miserables.

Ahora pasaré a la segunda lectura de la película. ¿Los malos son en realidad los Blade Runners? Se traduce como algo así como los “Ejecutores de la hoja (de acero)”. En el prólogo nos reafirman que la exterminación de los replicantes no son “ejecuciones” sino retiros de la circulación. Y creo que lo hacen justo para exculparse y es un paralelismo a la lucha contra el esclavismo, pues los replicantes son unos seres con un gran potencial para sentir, y con un vacío emocional que necesita llenarse en muy poco tiempo. Solo quieren vivir, y es lícito mientras no hagan daño a nadie. Rachel es la que consigue sobrevivir, y huye siendo víctima de su condición, que le amarga la existencia, perseguida por el que les dejará un Unicornio de origami en la puerta. El sueño de Deckard: un unicornio. Una criatura idealizada que nunca podrá existir de verdad.

Blade_RunnerLo peor: un guión vago.
Lo mejor: visualmente muy buena.
“La” nota: 8 (mis ojos la disfrutaron)