‘Laurence Anyways (2012)’: la lucha por la propia identidad

Mientras que su ópera prima tenía el valor de darle una arrancada fuerte mostrando una gran necesidad de contar lo narrado; y mientras los amores imaginarios fueron un primer campo de pruebas estético; Laurence Anyways es la pelicula que finalmente sublima una historia con mucha fuerza a la par que logra una estética cuidada y consecuente.

Laurence es un hombre que en su trentena decide por fin declararse transexual. Una revelación como esta, a estas alturas de su vida, y llevando nueve años con su novia, supone un choque para todos, y mostrar una valentía de hierro por parte del protagonista. Resulta incluso sorprendente para el espectador que ve un cambio de la noche a la mañana. Esta es la historia de como él y su novia sobrevienen las dificultades ante la nueva situación y de como la misma causa estragos en la vida de pareja.

Las actuaciones de Melvil Poupaud y Suzanne Clément no tienen desperdicio, desde la evolución del Laurence en su nueva feminidad a las crisis emocionales de su novia Fred. Nos aportan, entre uno y el otro, diálogos muy intensos. Por supuesto no falta el cameo de Anne Dorval.

Dolan aborda el guión con imaginación, con caracterizaciones y detalles que sorprende ver en él. Se trata, reitero, de un salto calitativo notable en la filmografía del director. Presenta a la vez un gran interés por el color, esta vez con más acierto que en Los amores imaginarios: abandonamos los colores puros y estridentes por una mayor preponderancia colores pastel, unos y otros se alternan en la escenografía y en la iluminación. El vestuario se rige del mismo modo, un vestuario de hombreras y camisas a lo más noventero, pero con la exageración de una película de Almodóvar. El visual Kirtch de la película recuerda en más de una ocasión al trabajo de David LaChapelle.

Falta destacar el ritmo. Mientras que la película es muy larga, de dos horas y media, no solo consigue mantener el interés sino que controla los tiempos internos de cada escena. En definitiva, Dolan finalmente ha dado en el clavo. Larga vida a Dolan.

8,75/10.

 

 

“Repo! The genetic opera (2008)”, de Darren Lynn Bousman

Repo! es un musical vestido de película independiente que promete dar un enfoque original en estilo y musicalidad. Sus fans lo comparan con The Rocky Horror Picture Show. 

La premisa es clara, a mitades del siglo XXI, la fallida de órganos se ha vuelto la primera causa de mortalidad. En esta situación, la empresa Gene.co ha extendido su imperio de trasplante i préstamo de órganos, aunque si no puedes pagar… Aparece el Repoman, que asesina y roba los órganos de los morosos. Shilo (Alexa Vega) es una adolescente con una afección respiratoria que se escabulle de casa donde su padre (Anthony Head) la encierra día y noche. Lo que no sabe es que su sobreprotector padre es también el Repoman de Gene.co.

A tener en cuenta, la continuidad musical de la película. Los personajes no dejan de cantar en ningún momento, en todo caso, riman. Sonoramente, predomina la voz en directo: puede ser una ventaja (vease Los miserables (2012)) o puede ser una tara dando interpretaciones imperfectas o de actores como Paul Sorvino, que ni siquiera es bonita de escuchar. A ser poco, las canciones finales hacen un cambio hacia el play-back con una repentina intención de lucirse. Se palpa incluso algo repetitivo en las melodías, estiradas por encima de lo necesario. La Banda sonora la salvan las bases de Rock y Hard Rock, que aportan algo distinto al género.vlcsnap-2015-07-27-00h46m56s146

El elenco tiene como actuación más destacada a Paris Hillton haciendo de Amber Sweet, la hija de un magnate obsesionada con la cirugía y con un comportamiento a lo Paris Hillton. Sarah Brighman, la soprano del Time to say goodbye, aparece por primera vez en el cine, cantando la canción Chrommaggia. Terrance Zdunich, creador de la idea original, aparece como ladrón de tumbas, funcionando como un narrador que expande la mitología del mundo de Repo!.

La caracterización es otro punto a favor, el vestuario gótico le da un toque acorde a la música. La película está armada con apartes de cómic en 2D, la imagen está pasada por filtros y luces que buscan el blanco puro en las pieles de las actrices, en una suerte de videoclip de hora y media.

Paris Hillton en la portada.

Paris Hillton en la portada.

Lo mejor: Paris Hilton como Amber Sweet, incluso canta bien.

Lo peor: las dotes interpretativas de la familia Largo, así como sus personajes o sus escenas.

La nota: un 6. Esta película tiene otro “rollo”. El lado más indie del director de Saw II.

Shingeki no kyojin en un cuadro de Goya y Terra Formars no mola.


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Shingeki no Kyojin fue aclamado ampliamente y ahora esperamos las películas con actores.  SNK es un anime transgénero porque mezcla monstruos colosales con megamechas de carne y hueso, intrigas conspiranoicas y un gran misterio en un mundo de semblante medieval. 

Ataque de Titanes bebe del cine kaiju japonés. Aunque luego la trama va más allá, Shingeki no Kyojin parte de la maldad irracional de los monstruos y la tremenda desventaja de los humanos en un juego en el que desearían no tomar parte. El humano es pequeñísimo frente a las fuerzas de la naturaleza que lo aplastan para su diversión y no hay manera posible de ganar. colosEl argumento lo he vuelto a percibir recientemente en el anime Terraformars (los monstruos son en este caso cucarachas marcianas superevolucionadas), pero me da que no es nuevo. Todo eso, de la nimietud del hombre y la naturaleza desatada, me hace venir a la cabeza El coloso de Goya (1808-1812).  A su vez, el coloso representaba la fuerza devastadora de la guerra civil. En Shingeki no kyojin, los titanes són simbólicamente para los personajes la extrapolación al límite de una sociedad podrida per se. goya_saturnoLa sensación producida al ver como un titan devora a un humano es tan “Goyesca” como ver a Saturno zampándose a sus hijos; nunca dejando un cuerpo sin desmembrar; deteniéndose en el instante grotesco. A su lado, una boa comiendo una presa, sin masticar, ya aturdida, higiénicamente y sin sangre, parece tener la decencia de un marqués en un banquete.

Muchos adolescentes habrán visto Ataque de Titanes por la explicitud en las muertes. El gore hace mella en esas edades, y Ataque de Titanes es (con las palabras en que lo leí) capaz de convertir la sangre de una decapitación en una hermosa lluvia de pétalos rojos y líquidos (la verdad es que era visualmente bonito y aterrador a la vez). Se trata de la fascinación por lo grotesco de Goya, pero que exacerbado en algunas películas comerciales o en el anime Terra formars ralla el sinsentido.

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Porque ahora voy a hablar de Terraf ormars, y eso no me hace ninguna gracia. Comentemos los primeros episodios. Dejaré de lado que el diseño de personajes y el estilo de dibujo no me gustan. La historia cuenta como una expedición desesperada para colonizar marte topa con que sus intentos para hacerlo habitable ha resultado en una plaga de monstruos cucaracha de fuerza sobrehumana. Las cucarachas tienen cara de bobo, como los titanes, para apuntar a su “falta de humanidad”, pero como los titanes, son más listas de lo que parecen. Terra formars tiene ese elemento de SNK de el miedo frente a un enemigo que te supera y que te sorprende cada vez que tienes controlada la situación. Sin embargo me pareció que el único interés era mostrar una muerte tras otra. Muertes con la morbosidad de una película de serie B; espinas dorsales arrancadas de cuajo y usadas como látigo; cráneos que revientan al chocar con otros; etc. Lo peor es que en anime no funciona. Será por la censura?

En realidad, creo que poner Terra formars en imagen en movimiento es restarle espectacularidad. Terra formars es muy violento y sangriento, y aún así quiere jugar la carta de la sobriedad cuando podría aplicarle la parafernalia de relentización del tiempo, reacciones de los personajes, y repetición desde distintos planos en momentos críticos que se ve en otros animes. Pero el manga como medio tiene una temporalidad distinta, y quizás es la culpable misma de esos efectos en su adaptación. El hecho que el comic y el manga son secuencias de imágenes da que solo pueda enseñarse el momento álgido de cada acción. Para Terra formars, esto se traduce en impacto visual. Vemos en las viñetas el momento decisivo de las muertes, el más impactante, mientras que en el anime este fotograma se diluye entre los otros veinticinco que se dan en cada segundo. En efecto, opino que el manga de Terra formars ha de ser mejor. Tengo oído que desarrolla mejor las histórias de los personajes, aunque eso desemboca a menudo en falsas pistas y la muerte de los mismos.

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A pesar de todo, anime como manga muestran la misma tara y es que da la sensación de que la trama no avanza. La atmósfera de Terra formars resulta muy pesada y oscura porque no hay ningún descanso en su violencia. No existe la mínima brecha de esperanza, y si la hay, es para ser arrancada al momento. No hay ni descanso visual. Lo digo por ese maldito filtro de degradado blanco que me sacó de mis casillas. Sobre todas las escenas, como queriendo darle volumen, realismo, o luminosidad, aún no lo sé del cierto.

No me gustó Terra formars, porque me pareció de mal gusto, me hizo sentir incómodo. Y no fue una buena sensación. ¿Sabes ese margen que concedes a las películas de terror para que experimenten con tus sentimientos de miedo, de asco y puedas seguir pasándolo bien… ? Pues yo no lo pasé bien.  Terra formars o se me hacía tedioso o me hacía sentir violado. Terra formars no es más de lo que enseña. Me parecía todo morboso, sádico, ¡emo!

En cambio SNK puede ser gore y seguir encantándome. Tiene esa chispa romántica -volviendo a Goya- en que la catástrofe no hace que el héroe se retire sinó que la catástrofe arroja al héroe a intentar vivir con todas sus fuerzas aún sabiendo que el camino estará manchado de tragedia. Ésto és, le impulsan hacia un conflicto apasionado.

‘Persépolis (2007)’: La patria perdida

Persépolis es la culminación del trabajo autobiográfico de Marjan Starapi en la historieta homónima que disecciona los cambios políticos en Irán tras la caída del Sha Reza Pahlevi a través de la forma como Marjan los vive, y la imposición del fundamentalismo en los años que la preceden.

Al empezar a verla, entendía que era una ficción a través de la cual representar un panorama social. Y no podía evitar creerlo porque conecta con el público.

Marjane es una protagonista absoluta y un personaje bien definido. Para retratar Irán y sus cambios, trabajamos con la oposición: la familia de Marjane es cristiana en unos parajes que acabaran siendo eminentemente islámicos; y por proximidad: la familia de Marjane es próxima al esquema de familia occidental, con un nivel adquisitivo alto ya que es descendiente de la realeza, algo así como la burguesía en Iran. Marjane también sigue la corriente punk y tiene algunos ídolos como Bruce Lee. Marjane además es una chica -como dice ella- íntegra; alguien que no se deja oprimir, y si no fuera así no veríamos de la misma manera el machismo en el islam.

Dicho de otra manera, la directora ha buscado el mejor punto de vista entre los posibles. Marjane es una niña con dos influencias culturales muy grandes: la de su familia, y la de la escuela y sociedad Iraní. Ya desde pequeña se ve influida por la escuela, y juega a ser profeta, pero creando su propio régimen dónde todos sean felices.Tiene ensoñaciones con Dios y Marx. Su abuela, mujer de un revolucionario, es uno de sus mayores referentes, de mente abierta y descarada, es el modelo perfecto de mujer fuerte. Marjan se exilia de manera definitiva a Francia, para poder tener la integridad perdida en su país, pero sin dejar de ser Iraní.

Todo esto me lo creo, pero no me creo que una mujer tan despierta entre en depresión por un mal de amores. Es decir, hay mucho drama, pero acaba siendo excesivo cuando añades este punto, incluso la película es un poco larga porque -bueno- el cómic es largo. El tono de la guerra, Irán… Se rompe un poco aquí.

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Como se intuye, la película tiene un dibujo de cariz expresionista, de blanco y negro, luces y sombras, y una imagen muy plana con poco espacio aparente entre capas que parece solo poderse distinguir por el movimiento. Esta estética está justificada por un flaishback permanente desde la actualidad.

Es una producción independiente, de Satrapi con un amigo dibujante Vincent Paronnaud, hecha en animación tradicional. Satrapi tiene unas ideas muy claras sobre como dirigir a actores y animadores, y ha pensado en todas las implicaciones de sus decisiones. Tomemos por ejemplo, el montaje. Adaptar una historieta requiere movimiento, pero Persépolis se distingue de su fuente original porque consigue enlazar las distintas historias con transiciones solo posibles en la animación dándole al conjunto un ritmo poético, potenciado por una narración que no se queda en el voice-over. Esta difícil tarea solo rompe el ritmo un par de veces y en general es muy innovadora y conseguida. El tema de la película es preponderantemente étnico, pero al usar el dibujo se vuelve un relato universal sobre la democracia, además que lo dota de esa poética especial.

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El color en “SUSPIRIA (1977)” – Dario Argento

Hola petardos. Hoy es miércoles, lo que significa, en Klingon -bueno, en mi variedad de Klingon- HOY TOCA BLOG! Precisamente de Suspiria (1997), esta película de terror clásico de Darío Argento.

Es curioso pensar que el terror de ahora es recordado por los momentos gore, por las imágenes sangrientas que quedan en nuestra cabeza. Si bien yo me esperaba una cinta gore a juzgar por su portada, lo que vi fue un metraje de tensión continua, dónde lo que me quedará es el tamborileo previo al susto (o no-susto). Para poder ver una película con sus tamborileos, evidentemente, os tenéis que lavar de spoilers. No leáis más.

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Los colores están desequilibrados, respecto al balance de complementarios.

Sobre el gore -el que hay- en la película, se trata de un gore precavido (menos es mas) pues sabe que se trata de serie B. En mi opinión solo se desfasa un par de veces. (En la ultima escena no me cuajó mucho).

Qué me gustaría destacar? Los colores, por supuesto. La puesta en escena es un tanto teatral des de la iluminación. Los colores habituales provienen vlcsnap-2014-03-12-21h26m11s51de decorados y son adulterados por focos por ejemplo rojos, por ejemplo azules, o verdes. Un uso que ya habíamos percibido en El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1898) y, porqué no, West Side Story (1961). Este recurso puede servir para ayudar a la composición y al peso compositivo, pero sobretodo, a connotar.

Uno puede imaginarse al ver Suspiria que la mitad del presupuesto ha ido a decorados. Lo recargado de las formas, muchas veces geométricas, repetidas una y otra vez en paredes, ventanas, etc. crea un sentimiento de agobio en el público. Algunas fuentes lo atribuyen a las influencias expresionistas de Argento.

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De la misma manera, a combinación con las luces, tenemos habitaciones rojas, o se nos ponen objetos rojos cada vez que hay tensión. El rojo es el color del peligro, y además es el que supone mas esfuerzo por parte del ojo humano (el que menos cansa la vista es el azul)vlcsnap-2014-03-12-21h19m04s138. A veces se rompe el rojo en momentos críticos para pasar al verde o al azul. Presumiblemente, se trata del momento más difícil antes del susto, en el que el espectador baja la guardia.

 

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Plano a través de una bombilla que se apaga.

Momento crítico.

 

Estancias azules o blancas o de dominante blanca, y iluminadas a la manera tradicional (luz blanca, claro) se yuxtaponen a los momentos de gran tensión. Si no hay rojo en la pantalla, descansa, todo va bien.

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Recuperado de mi antiguo blog. Y no. No es miércoles.