The Legend Of Korra

La tendència en els dibuixos animats occidentals d’avui: globalització, progressisme i qualitat

A dos anys per tancar la dècada del 2010, podem mirar enrere i veure el canvi en ambicions i valors que ha pres l’entreteniment per als nens a l’animació als estats units.

Els dibuixos s’estàn transformant en quelcom transnacional, cosa que vol ser l’objectiu també de les nouvingudes produccions animades de grans plataformes de televisió per internet com Netflix o HBO. Aquests agents del mercat són conscients que internet ha estat fent la feina bruta de portar programes de qualitat d’una banda del món a l’altre on no hi tenen distribució, posant com exemple, quan la televisió catalana va deixar de invertir en anime japonès quan hi havien acostumat el públic durant vint anys.

La presència d’un internet que posa a l’abast un món sense fronteres ha portat a l’auge del dibuixos de culte que tenen bases de fans clares que es troben a la xarxa, en espais com tumblr o deviantart. Els artistes tenen també cada cop més influències i més variades a la seva feina, i el seu talent jove normalitza els valors del nou segle.

Podem parlar de The Legend Of Korra (Nickelodeon, 2012–), una fantasía d’acció amb una protagonista forta que té tendències bisexuals i que no está caracacteritzada com a ultrafemenina com podria haver-ho estat una heroina més clàssica com la Sailor Moon. Una altra heroina és Star Butterfly de Star vs. The forces of Evil (Disney XD, 2015-), una princesa que no controla els seus poders màgics sent esbojarrada i maldestre al més pur nivell de Daniel el Travieso.

El segon protagonista de la sèrie és un adolescent mexicà que sap karate, cosa que mostra el suport de Disney cap als “latinos”, un dels grups socials menys representats d’Estats Units, fent de Star Vs. The Forces of Evil junt amb la película Coco (Pixar, 2017), dos recolzadors aférrims del moviment Dreamer, dels joves de families inmigrants hispanes que volen integrar-se a la societat americana amb una actitud exemplar a les escoles, però que no podràn fer-ho amb les lleis DACA derogades per Trump.

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Si estem parlant de dibuixos amb milatantisme, podriem parlar de Steven Universe (Cartoon Network, 2013–) on tres heroïnes, les “gemes de cristall” eduquen a noi de 12 anys mentres protegeixen la terra d’una invasió extraterrestre, deconstruint l’esquema de la familia tradicional i trencant el que els activistes LGBT adverteixen negativament com heteronorma. Com a éssers inorgànics, les gemes de cristall no tenen gènere pel que poden tenir relacions platòniques entre sí, per molt que estiguin caracteritzades indistintament com a dones.

L’èxit LGBT amb més bombo de l’any en matèria de dibuixos animats podria ser, tot i així, el curt gay In A Heartbeat (2017) sobre dos nens enamorats. No és difícil fer un curt així, en especial quan se’n encarreguen un parell d’estudiants d’acadèmia d’arts per a portar-lo a festivals, però si és fàcil que les grans productores dirigides per l’ànsia comercial rebutgin aquestes idees. In a Heartbeat és, sense massa mèrit, la primera bombolla en arribar a la superfície del que sembla ser una nova generació d’artistes.

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Al bressol de l’animació Americana moderna, l’acadèmia d’Arts de Califòrnia fundada per Disney en persona, saben una cosa o dos sobre anar contra un corrent que els demana ser metges i viure de diners, a més són joves amb gran sensibilitat, apasionats pel còmic i el manga. Els estudiants d’arts estàn ja a un altre nivell de consciència, i veuen superades aquestes lluites socials que els nascuts als 80 i abans necessiten repetir-se com uns lloros fins que les aprenen. D’ells aprenem  que la

millor transgressió és la aplicació cotidiana dels propis valors, que un projecta en la seva obra el que li hauria agradat veure. Ells fan de la inclusió social una cosa orgànica, mentre que molts altres competidors ho fan semblar una cuota de representació que s’ha de complir per a tenir més públic. Aquest es l’estat de l’art a nord Amèrica.

Potser n’hem après alguna cosa a Espanya, en una indústria molt pobre, on la emergent productora Kotoc ens ha deleitat amb la protagonista femenina dels dibuixos de futbol fantastic Sendokai Desafío Champions (RTVE, 2013— ), un cosí de Futbol galàctic (France 2, 2006) orientat per al públic de 6 a 10 anys. O potser no n’hem aprés, tenint en compte que la següents aposta  de la mateixa productora són una espècie de legos fent humor escatològic. Si és una cosa o altra, només el temps ho dirà.

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Aquest article va ser publicat primer com una tribuna d’opinió en Aranés a La Gaseta Occitana d’Informacions Jornalet, a dia 02/02/2018.

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‘Laurence Anyways (2012)’: la lucha por la propia identidad

Mientras que su ópera prima tenía el valor de darle una arrancada fuerte mostrando una gran necesidad de contar lo narrado; y mientras los amores imaginarios fueron un primer campo de pruebas estético; Laurence Anyways es la pelicula que finalmente sublima una historia con mucha fuerza a la par que logra una estética cuidada y consecuente.

Laurence es un hombre que en su trentena decide por fin declararse transexual. Una revelación como esta, a estas alturas de su vida, y llevando nueve años con su novia, supone un choque para todos, y mostrar una valentía de hierro por parte del protagonista. Resulta incluso sorprendente para el espectador que ve un cambio de la noche a la mañana. Esta es la historia de como él y su novia sobrevienen las dificultades ante la nueva situación y de como la misma causa estragos en la vida de pareja.

Las actuaciones de Melvil Poupaud y Suzanne Clément no tienen desperdicio, desde la evolución del Laurence en su nueva feminidad a las crisis emocionales de su novia Fred. Nos aportan, entre uno y el otro, diálogos muy intensos. Por supuesto no falta el cameo de Anne Dorval.

Dolan aborda el guión con imaginación, con caracterizaciones y detalles que sorprende ver en él. Se trata, reitero, de un salto calitativo notable en la filmografía del director. Presenta a la vez un gran interés por el color, esta vez con más acierto que en Los amores imaginarios: abandonamos los colores puros y estridentes por una mayor preponderancia colores pastel, unos y otros se alternan en la escenografía y en la iluminación. El vestuario se rige del mismo modo, un vestuario de hombreras y camisas a lo más noventero, pero con la exageración de una película de Almodóvar. El visual Kirtch de la película recuerda en más de una ocasión al trabajo de David LaChapelle.

Falta destacar el ritmo. Mientras que la película es muy larga, de dos horas y media, no solo consigue mantener el interés sino que controla los tiempos internos de cada escena. En definitiva, Dolan finalmente ha dado en el clavo. Larga vida a Dolan.

8,75/10.

 

 

‘J’Ai Tué Ma Mére (2009)’: esa madre es como la mía

J’Ai Tué Ma Mére (2009) se sentía como un grito en la oscuridad. Era la película de un Dolan adolescente esperando a decir lo que se había callado en años. Habiendo escrito el guión con dieciséis, lo trajo a la pantalla a los diecinueve. Precoz, lúcido, polifacético. Si algo admirable tiene esta peli, es que sea la voz propia del director. La historia personal es un motor catártico para las historias. Y verla me hizo entender como los adolescentes homosexuales conectaban con ella, no solo por la orientación del cineasta.

Al visionarla, por supuesto, también me convencí de algo muy importante: uno no tiene que cargar a sus espaldas toda la historia del cine para hacer una película. Nunca hay que querer estar a la altura de este o aquel otro. Para hacer cine, solo necesitas una historia que contar y la valentía suficiente para contarla. Dolan fue impávido más que nadie y quiso protagonizar su propia película.

Años más tarde, esa película llega a la casa de un servidor en DVD,  y las luces se apagan, y la abuela se sienta en la butaca, la madre en el sofá, mientras yo elijo el suelo.

Este Dolan, inmaduro y jai-tue-ma-mere-770288lgritón pone de los nervios y te amartilla el cerebro, y a los adultos no les provoca más que compadecerse. Es un niño mimado y de humor cambiante que no acepta a su madre -dice la abuela-, a la que, por extravagante que sea, le debe su vida. El film se reduce a una historia de tamaño doméstico que se limita a las rencillas entre una madre hortera y un hijo con demasiadas ganas de emanciparse.

Con todo saca un estilo propio a partir de poco -añado-,  consigue buenas frases y los monólogos  son antológicos, como lo es la remarcable escena visual y provocativa en la que el y su novio pintan a lo Jackson Pollock.

Ese niño no resultaba gritón para mis amigos, es más, diría que la película representaba la rabieta que siempre hubieran querido tener con sus madres y nunca tuvieron. Cabe decir, que la madre del protagonista tiene algo de exagerado, con sus rutinas caseras y su pésimo sentido del gusto, además que para Hubert (aka. Dolan) es una madre terrible y no reacciona bien al criticismo.

 Yo Maté a Mi Madre nos muestra las pulsaciones de acercamiento y distanciamiento de dos desconocidos. Los giros entre amor y odio se producen de manera tan repentina que no te los esperas. La orientación sexual del protagonista parece jugar un papel importante, pues mientras que tener un novio crea que es algo que le concierne solo a él, ella quiere que se abra y confíe en ella para esas cosas. Es así como la madre lo trata bien o tiene detalles con él esperando tener su gratitud y ganarse así el derecho a ser su confidente, pero para Hubert no es más que una estrategia para manipularle y intentar ponerle a su servicio, cuando Hubert no ha pedido nunca ninguno de estos favores. En cuanto a Hubert, odia a su madre por su manera de ser y por falta de entendimiento, pero a su alrededor siempre hay algo que le hace pensar en su relación y desear que sane. Hubert debe acopiar con sus contradicciones internas frente al amor hacia a su madre, unos sentimientos de los que extrae un gran potencial artístico.

Sabe justificar el batiburrillo doméstico con un guión consistente… Hasta la hora de metraje, dónde cambiar de escenario puede hace que se alargue, introduciendo escenas tan gratuitas como una paliza a Dolan, cuando, aunque tímido, nunca se había mostrado víctima de su homosexualidad (¿o quizás lo que quería era mostrarse frío frente a las agresiones?).

Lo mejor: la actuación de Dolan, y el universo que crea alrededor de su propia experiencia.

Lo peor: Necesitas empatizar con una de las partes si vas a querer disfrutarla.

Nota: 8.