‘Guns Akimbo’, pudor de friki

El cinema d’acció sol girar al voltant d’un personatge marcat, com en Van Damme, la Roca, Jason Statham, etc, especialistes que busquen l’espectacle del “más difícl todavía”. És per això que quan veig Guns Akimbo em ve al cap el Primer Amor de Takashi Miike, per precisament el contrari: per comptar amb un protagonista desconegut que ens empassem que no té res a pelar. A Daniel Radcliffe no el deixen viure fora de Hogwarts, i això que l’encasella és precisament el que funciona en pel·lícules com aquesta. En Miles és un nerd socialment funcional que es dedica a programar videojocs perquè els ha mamat tota la vida i que combat els trols d’internet amb els seus comentaris estratègics. Un dia l’obliguen a entrar en un directe de streaming mortal fixant-li pistoles a les mans amb claus. Malgrat la seva vida a la pantalla, quan arriba el moment de disparar a la vida real fracassa —perquè ha de ser— per fracassat.

Ja a Horns Radcliffe es va introduir en aquesta mena de cinema B. No és la primera vegada que demostra saber el paper del protagonista patètic empatètic (que pels japonesos seria un otaku) abellit en barnús. Aquí narra la seva pròpia història amb una estètica neò cibernètica d’efectes i grafisme: si Scott Pilgrim Contra El Mundo i Escuadrón Suicida tinguéssin un fill, probablement seria Guns Akimbo.

S’ambienta en l’internet com a fòrum virtual de morbo (Nerve,  Framed) i violència gratuita per a masses dessensibilitzades: un reality show mortal que reverbera les pel·lícules d’acció de poca monta dels dos mil, les coetànies de Fast and Fourious: no és cap sorpresa que ningú recordi Dead Race (2008) i les seves seqüeles o The Condemned (2007) però Battle Royale (2000) o Takashi Miike són noms que sempre aconsegueixen alguna reacció al vol a les converses: els asiàtics en saben. És la seva tinta. De les arts marcials entreteixides amb pistoles i yakuzas a les més forasenyades premisses per a l’erradicació cruel de caps per lligar. I per sort la pel·li neozelandesa està més a prop dels nipons que dels ianquis.

Entre els videojocs i les xarxes socials, la pel·lícula està plena de fan service mil·lènial sense fer-se irritant (una alarma fàcil de fer saltar), i encara més, tenen certa creativitat, com que quan el protagonista té la IP rastrejada (és localitzat) sóni l’efecte sonor del drop de Knife Party que resa “You blocked me on Facebook, now you are going to die”.

No em molesta que una pel·lícula intenti agradar-me fins i tot amb les modes més passatgeres; això només influirà en com de malament envellirà la pel·lícula, va en detriment seu i no de l’espectador, que entrarà i no s’avorrirà en cap moment. Ara per ara la pel·lícula és una successió d’escenes de tiroteig amb voltes de campana a càmera efectives i constants que recorden a les de Wanted (2008), que sense aconseguir el “más difícil todavía”, et fica dins una atracció ben divertida.

El millor: la comèdia que es porta Radcliffe amb les pistoles i el seu aspecte d’anar per casa i la seva rival Nix.

El pitjor: afegiria més emoció reduir en tiroteigs improvisats i substituir-los per estratègies i combat coreogràfic.

La nota: 7

Detective Pikachu: Pokémons a Neo-Seül

Ni Bulbasur, ni Squirtle, ni Charmander, ni cap dels pokémons inicials va néixer amb el do de la paraula. Aquesta era una habilitat reservada pel timador Meaowth o l’amenaçador clon de semblant androide Mewtwo. Pikachu, un Pokémon comú de bosc no era una de les excepcions.

2018. Pikachu surt de la foscor dient paraulotes amb la veu de Deadpool i jo que no surto de la meva sorpresa en veure el tràiler de la pel·lícula que es prepara. Dos minuts plagats de referències i cameos en una espècie de Neo-Seül postmoderna en la que s’intententarà encabir el màxim de pokémons possibles dels 800 i punta que existeixen de moment.

Pokémon ens transporta a una ciutat futurista massificada on el Detectiu Pikachu haurà de resoldre una desaparició. Aquesta sort de Blade Runner per a nens és l’evolució lògica del que havia de passar un cop hem dominat l’animació a tots els nivells. Quién engañó a Roger Rabbit portava aquí: entre les moltes maneres d’hibridar actors i dibuixos, l’estudi ha triat un disseny realista CGI on els «monstres de butxaca» semblen peluixos. Això contrasta amb el disseny més llis de Pokémon Go (2016), joc de mòbil que va donar lloc a tota una nova base de fans i que va generar l’impuls per a produir aquesta pel·lícula.

On les produccions sobre videojocs japonesos han caigut habitualment en guions lamentables, haurem de veure si aquí són capaços de convertir una mascota de marca en protagonista carismàtic o si caurà en la mediocritat. La productora és per sort una amb molta sensibilitat per l’aura friki: la milionària Legendary Enterntainment va estrenar-se el 2005 amb El Caballero Oscuro, i treballa amb Zack Snyder per fer Watchmen (2009) i 300 (2007). 

Detective Pikachu és una pel·lícula molt simbòlica perquè és la primera distribuïda sota un nou pacte entre Warner i Legendary i això dóna peu a què si la proposta funciona, les apostes que facin al futur es desviïn cap a pel·lícules d’aquesta mena. En altres paraules, una oportunitat perquè Hollywood comenci a extreure llicencies per a superproduccions basades en productes culturals japonesos com són els videojocs. També Detective Pikachu és de les primeres pel·lícules que es produeixen després que Legendary fos absorbida pel grup de capital xinès Wanda en 2016, que arran del seu exercici en finançament de cinema d’aquell any (any en què es dóna vistiplau a Pikachu) va declarar voler «ressaltar l’element xinès en aquelles pel·lícules en les quals inverteix». Pel que les primeres pel·lícules d’aquest conglomerat xinès també comencen a treure el cap per Hollywood.

A nivell sociològic, també és una pel·lícula que integra finalment Pokémon com a producte per a tots els públics en tots els nivells. Aquesta normalització de Pokémon és important i necessària per a reduir l’estigma davant dels joves otakus, i al cinema s’aconseguirà millor que Netflix. Sabem de sobres que allò japonès a Netflix no es presenta des de el respecte si no des de la condescendència perquè el seu catàleg està segmentat per a la figura del Weeaboo americà (utilitzat aquí com a insult): el que vol i es força a mirar anime perquè de sobte fa interessant, algú que s’hi endinsa des de zero. Per això fa mà de clàssics i produccions pròpies.

És cert que hi ha una cosa que Netflix no hi hagués canviat d’aquesta pel·lícula i és la seva visió globalitzadora del món: aquest món que presenta com a metròpolis intergalàctica on no hi ha dos personatges de la mateixa raça. Aquest és el mercat que alimenta els gegants del cinema com Warner i podria ser que n’estiguessin començant a prendre consciència.

Qué es este blog? A dónde se dirige?

Hola a todes

Lo sé. Este blog es un lío. Por qué? Bueno, para empezar esto era algo parecido a una libreta de apuntes para criticar hasta la más pequeña minucia. En catalán, porque, vaya, en ese entonces me parecía que hacerlo me diferenciaba un poco y me daba un valor añadido.

El cine y la televisión me interesan ambas. Siempre me ha parecido que el cine es más interesante a nivel artístico mientras que la televisión es mucho más interesante a nivel político y sociológico. Así lo mismo te hablo de Arrow que de la última película que haya visto. No nos engañemos, al final uno lo que quiere es encontrar un tema rápido y al alcance sobre lo que escribir.

Hice también en ese entonces (verano de 2014) un par de entradas que fueron muy bien: la de Elvisa y la de Desahogada. Evidentemente, hay un salseo al rededor y derreror del mundo youtuber que da mucha audiencia. Eso ya lo supieron ver los que en su momento hicieron una revista.

Time skip 4 años adelante: ya no estudio, mis posts de Elvisa y Desahogada son los únicos que siguen teniendo visitas (o quizás los únicos que jamas las tuvieron)? Yo lo que quería era hacer mi «Cuadernos de Cine».  Dejé el blog en cuanto intenté convencer a una amiga en hacer algo más grande y abandonó rápidamente. Volví hace poco con mis apariciones en un periódico en una lengua rara. El mismo periódico al que convencí para que me llevara al Festival de Cannes (una gran victoria personal) y que me ha abierto recientemente (a través de sus ramificaciones con otros medios) colaborar ahora con Betevé en el Festival de San Sebastián. Prometeo traer nuevas publicaciones de Donostia.

En general, tengo desapego hacia esta página. ¡La odio! Porque es una solución temporal. Yo quiero contactar con gente que disfrute del cine tanto como yo, pero en cambio, aquí tenéis lo que escribo, acumulado en esta chozita de blog que me monté hace 5 años. Escribo más de lo que véis –Y evidentemente, veo más de lo que escribo.

Solo le pido a mi trabajo un poco más de paciencia. Sé que vamos a hacer algo grande. Por eso también invito a quien quiera interactuar conmigo (y que me perdone las tonterías que escribía cuando empecé). Abrí la persiana bajo seudónimo pero me presento:  soy Zep Armentano, periodista especializado en cine. Me pirra el mundo editorial y el circuito de los festivales. Siempre me puedes saludar con una frikada.

Elle (2016) – Violadores entre nosotros

Michèlle LeBlanc tiene un trauma infantil que la ha hecho ser fría con los demás. Ese personaje desarrollado por Isabelle Huppert es una mujer diligente y cínica que podría ser la villana de su propia historia, un rasgo que la película festeja en el escepticismo socarrón de sus escenas. Pero Michèlle afrontará momentos de vulnerabilidad e inestabilidad cuando un día, un atacante con pasamontañas la viola en su propia casa.

Imagínese el calco: el fuera de campo, esa escena de violación en la que el gato como voyeur es más importante que el agresor o la víctima. Una escena de aducible inspiración Hanekiana, pero que rompe con esa estética a través del metatexto. Verhoven reacciona a la violencia de la primera escena como algo anticlimático, algo contrario a la explotación de la crudeza de las violaciones que se ha dado y se sigue dando en el cine universal (y con ejemplos muy recentes). Michèlle cree que lo que le ha pasado es algo cuotidiano, que debe seguir con su vida, que puede salir sola de ello. Al menos hasta que la vuelven a atacar.

Elle viene a inmiscuirnos en la cultura de la violación, porque es 2016. En Elle toda masculinidad es agresiva, toda masculinidad es capaz de arrebatarte la vida si se lo propone. Además Elle incluye la primera norma de la cultura de la violación: sospecha primero de la víctima. Que Michèle acepte a ese violador y entre en su juego en una especie de exploración fetichista es solo un juego tóxico en el que Michelle se mete: Michèlle es una rara avis que sabe habitar el peligro. Es Michèlle la que sabe plantarse y desafiar esas masculinidades en los contextos más extremos (al contrario del síndrome de Estocolmo que podría sugerir a algunos espectadores), capaz de desafiar a «los hombres» cuando las demás no son capaces de hacerlo en ámbitos cuotidianos. Excusar, tolerar y normalizar los abusos es parte central de la cultura de la violación: del amante abusivo, al marido infiel pasando por el criminal reformado. El hijo de Michèlle nos muestra la contraparte víctima masculina a este fenómeno, un chico bobo que tiene una relación de dudoso amor con una chica muy severa con él.

Verhoeven ha conseguido convertir la realidad en un thriller haciendo del violador alguien del entorno. Por otro lado Michèlle es un personaje empodrado, la directora de una empresa de videojuegos con mansión en Versalles. Sigue haciéndose preguntas sobre la sexualidad más allá de la madurez (Huppert tiene 62 años cuando la interpreta); sus fantasías pasan por la subversión de las dinámicas de poder, una fantasía en la que vence triunfalmente a su hostigador pero para ello debe ponerse en peligro.

2016 también fue un año muy bueno para Huppert, se estrenará su otra pelicula L’avenir y se llevará premios junto a Verhoeven como el Globo de Oro y el Lumière. 

 

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Este artículo se publicó en la Gaseta Occitana d’Informacions Jornalet en Aranés.

CLÍMAX (2018) de Gaspar Noe: morir, de éxito, improvisadamente

El cine del francoargentino Gaspar Noe sabe a explotación. Gaspar Noe es, en una palabra, un artista, un artista porque parece que le excite remover las entrañas del público, dinamitar la frontera de lo correcto, i sobretodo y más que nada le provoca sarpullido tener que explicarle su obra al espectador. Porque Gaspar Noe es tres cosas más: un cínico, un cínico y un ecléctico. Tanto que deja que su película se desarrolle y ser espectador del caos que él mismo ha creado.

Climax es una película “Francesa y orgullosa de serlo”, y con ello fuerza la identificación de la bandera con uno de los autores más controvertidos del cine que, tras unas escenas vibrantes y triumfales de baile, arroja a su parrilla de 20 personajes a los mismísimos infiernos de la fiesta metiéndoles hasta arriba de droga sin saberlo, contorsionándose, chocando entre sí  (contradictoriamente, el director defenderá la muerte y el desfase como algo extático aún con la forma agobiante de la filmografía).

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“Probé la droga una vez”, bromeó Gaspar en la rueda de preguntas, cuando se le preguntó por como le vino la idea a la mente. Puso en dudo reafirmadamente que la película fuera una crítica hacia la droga o que tuviera un mensaje sobre la droga en absoluto. Música máquina psicodélica, música de Daft punk y Aphex Twin resuenan sin pausa, en una mezcla de audio que grita “angustia”, en el espacio único de esta historia: un pavellón deportivo donde la compañía de baile está preparando su estreno. Se rodó en una sola noche de febrero durante la ola de frío en París. “Elegí un espacio único porque me recordaba al vientre de una mujer, y quería representar la muerte como otro nacimiento”.

Gaspar es un prodigio por juntarse con Benoît Debie, un hombre con tal dominio de la cámara que probablemente le permitiría hacer la película que quisiera. Tan vagas como pueden ser las interpretaciones de los valores escondidos en la película, su cinematografía pisa con aplomo: control perfecto del espacio i el movimiento, a manera fragmentada y en planos secuencia los personajes navegan acompañados de la cámara en planos impresionantemente largos y sin truco aparente, y, según dice el director, sin guión escrito ni actores de verdad, sino bailarines. Tan insensato como pueda parecer echarse al agua sin una idea en papel, casa muy bien con el tipo de director que quiere ser Noe, y para maestros de la improvisación y gurús de la filosofía, pueden ver también Knight of Cups, una película sin guión de Terrence Malick.

Ya en Enter de Void habló Noe de la muerte según los budistas con un punto de vista ligado a la cámara (una visión del alma que a decir verdad planea por encima de toda su filmografía). 

 En Clímax, la reflexión sobre la muerte y el nacimiento no puede escapar la interpretación alegórica antiabortista que resonará en la mayoría francesa: dentro o fuera del vientre, morirás igual. Pero si mueres fuera, por lo menos, te podrás dar la fiesta padre. 

Clímax es horriblemente perfecta de principio a fin. Y aquí se encuentra Noe, promocionando su película coproducida (Franco-Belga-Monegasca-Americana), viviendo la muerte a cada segundo. Tan rompedor como se muestra Noe, con tanto talento como tiene, le falta poco para volver a París como hijo pródigo. Sin embargo, los parisinos no la podrán disfrutar hasta el 19 de Septiembre.

 

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Lee esta opinión en Aranés en el portal de noticias Jornalet.  

 

 

GRITOS Y SUSURROS (1972): mujeres subyugadas a la mirada

El destape en Suecia en los 60s ponía de manifiesto una nueva libertad para las mujeres, un nuevo enfoque de la sensualidad que trajo la educación sexual, que por contrapartida arrastraría tras de sí el juicio de los valores tradicionales en un país demasiado avanzado respecto al resto de Europa. 

En 1972 Ingmar Bergman fuerza la crítica social hacia la falsa libertad de las mujeres devolviéndonos a unos tiempos mucho más duros.Gritos y Susurros nos trae de regreso a una mansión sueca del s.XIX donde dos hermanas se reunen para acompañar a la tercera en sus últimos días de enfermedad. El ritmo novelístico y pausado, acompasado por el tic tac disonante de los numerosos relojes de la casa, acompañan la agonía de Agnes.  

La película es el lánguido retrato del tedio que paradójicamente no es resultado de esperar a la muerte sino de la condición burgesa: ellos no están esperando la muerte menos que la enferma. El tánatos resuena en las paredes y cala en los personajes que emprenden acciones desesperadas. Salas enormes, silencios, un piano desatendido y solo dos recursos sonoros: gritos, y susurros. 

El sufrimiento tiñe los decorados que se bastan de una paleta muy reducida: el blanco que marca la imagen inmaculada de la clase alta, el negro de la constricción y la corrupción de la imagen pública, y por encima de todo y alrededor de todo el rojo. Un rojo omnipresente, marcador de estatus, tan opulento como violento y que se infiltra en cada fundido para recordarnos la maldición que viene de la fortuna, que “estás siendo juzgada” a cada movimiento. Entre fundidos, las caras de las cuidadoras permanecen unos segundos enfrentando la camara, siendo exclusivamente objeto de juicio, criticadas por unos susurros (magnifico efecto de sonido) tan numerosos y tenues que no se pueden interpretar. La mirada a cámara con esta finalidad ya había tenido cabida en Un Verano con Monika.

Es Maria la más afectada por las habladurías, quien tiene una aventura extramatrimonial con el doctor del pueblo pero no le importa el qué-dirán. Intenta fortalecer la relación con Karin, infelizmente casada, impasible a los sentimientos y siempre correcta. El duelo de pasión contra contricción remueve los sentimientos de la mayor que se desestabiliza. Finalmente Agnes resucita y se pone en evidencia que los valores de família que ella alababa estaban manchados por las apariencias, que ella era algo que se estaban quitado de encima y que ahora su fugaz vuelta es muy inconveniente. Finalmente la pequeña traiciona a la mayor al despedirse para volver a sus respectivas casas. El relato se cierra de manera agridulce recordando la unión de las tres hermanas, que prometia la felicidad a Agnes en su lecho de muerte.

Es habitual atisbar un innuendo lésbico en las películas de Ingmar Bergman. “El Silencio”, “Gritos y Susurros”, “Persona”: están pobladas por protagonistas femeninas que no actúan como heroes movidos por grandes odiseas, demonios y elixires sino como damiselas confundidas. Todo el poder lunar de la mujer queda disuelto por las convenciones sociales que las observa y las ordena. Sus historias se mueven así como tragedias íntimas, aisladas y a duras penas escuchadas. El compañerismo y la compasión entre mujeres (que deberían caminar juntas en la tragedia) se convierten en sospecha y traición en ciclos inestables.

ISLE OF DOGS (2018) està plena de tries de maduresa

Aquesta setmana he pogut gaudir de L’illa dels gossos en versió original, el film més punter i global de Wes Anderson. Rodat a Londres, ambientat a Japó, projectat a la Berlinale com a film inaugural i ben segur de fama mundial donada la carrera del director.

L’Stop Motion, tècnica d’animació feta servir aquí i a l’anterior Mr Fox, mai ha tingut massa popularitat per sobre l’animació tradicional o per ordinador per la seva semblança inquietant amb la realitat. Anomalisa, de Charlie Kauffmann, és l’assaig en stop motion més recent al cinema de demostrar que l’animació es pot posar a servei del missatge independentment del públic. I en Wes Anderson, aquesta tria és la que millor descriu l’orientació de les seves pel·lícules, dirigides a nens que ja no ho són.

L’influència d’Anderson és esfereïdora, havent donat forma a alguns dels tics estétics més presents a la feina dels joves universitaris dedicats a l’audiovisual, a la dels realitzadors de videoclips modernets o als productes visuals de la joventut culta usuaria del hemisferi dret del cervell en general. Els colors vius  (mostasses, roses, morats)  la cura per una composició superracional o l’ús compulsiu de la simetria en són alguns trets inmediatament destacables.  

 L’illa dels gossos torna a ser un exercici d’estil, i aconsegueix, malgrat el perfeccionisme patent a totes les obres del director, superar l’aposta. Per primer cop el realitzador tria un tema desagradable per a recrear-hi el seu bellicisme de casa de nines: gossos abandonats a un abocador esperant una exterminació sanitària, enfermetats, rates, paparres, brutícia i un to postapocalíptic de base.

Canvia d’una vegada l’humor intel·ligent anglés recitat amb frivolitat per una oberta crueltat cap als seus personatges, incorporant també l’humor visual i l’accelerat ritme de la bil·lingualitat de la pel·lícula emprat com a acudit racial. 

Finalment és menys escrupulós amb la composició i intenta desmarcar-se de trucs fàcils, afegeix el gust per la tipografía japonesa i la pantalla dividida. El secret està en ser polit sense que es noti, i el resultat és el diorama més perfectament aconseguit de totes les propostes de Anderson on la il·lusió de món perfecte de joguina no es trenca en cap moment.

És genial veure una cinta amb tantes tries de maduresa, més dura, més irónica, més grisa-tirant-a-negre. L’Illa dels Gossos entra trepitjant, i no us heu pas de sorprendre, que Wes Anderson és nascut a Texas. 

Tres Anuncios en las Afueras (2017): la América profunda contra la crítica feminista

Tres Anuncios en las Afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri, 2017) es la ganadora de un aluvión de premios en los Golden Globes, los BAFTAS, y muchos por venir. He leído opiniones en contra de esta película, de quien cree que ha aparecido ahora como resultado de una fina mercadotécnia al oscar.

NUESTRA VARA DE MEDIR ESTÁ ROTA

Es el momento de la imagen y el marketing que no se nota. Todo está tan cuidadosamente envuelto como producto que cuesta a veces diferenciar el valor cinematográfico, del comercial e incluso del moral. Porque ya para ser taquillero hay que cumplir ciertas cuotas morales, y a menudo no vemos que quien pone actrices en cabeza de ciertas películas siguen siendo directores y productores varones, más convencidos por la pela que por la moral, quienes intentan adaptar sus productos a los juicios sancionadores de la crítica juventud educada de clase media-alta.

Nos hemos acostumbrado a leerlo todo en lenguaje feminista, en lenguaje Trump, en lenguaje antiracista. Hay todo un remolino de corrientes de pensamiento que se han asentado en nuestra marco filosófico personal. Será la hipercorrección política de la vida en las redes. Este remolino de ideas sumadas a la industria mercantizando la moral, hace parecer a la sociedad un preciso aparato de relojería y anima a analizar “El todo” desde perspectivas únicas. Incluso Frances MacDormand se ha apropiado de la película para su activismo, porque todo es político, donde en este torbellino de cine politizado, habría que ver “Tres anuncios en las afueras” más como una película consciente y coherente con quien la firma y para nada como una película militante.

Como no quiere participar del militantismo de escaparate por lo que no ha fallado en militar por nada: se escribió hace ocho años, lo que significa que no había smartphones a través de los que los reduntantes Playground o AJ+ y otros medios blanqueados difundieran la palabra de eses activistes que han cambiado el mundo hablando de mansplanning, manspreading o manterrupting.

EL CASO DE LOS NEGROS

En el caso de la crítica racial, el posicionamiento del film que Sam Rockwell es violento, y los negros, un objetivo que puede justificar desde sus ideales retrógrados. El policía violento y el sheriff negro muestran dos posibles vías cuando has sentido alguna injusticia del sistema en tus carnes: la ira violenta o la imposición de la justicia por tus propios medios. Sam Rockwell en el papel de apalizanegros redirige su vida hacia el lado no violento, mientras sigue y seguirá siendo racista. Su comportamiento no es recompensado, solo de una vez por todas se acepta a sí mismo para vivir con más dignidad dentro de esos ideales de la América redneck mientras estos siguen siendo casposos y vetables.

ALGO CONOCIDO

Quizás puede parecer que «Tres anuncios…» está afinada para ganar premios ya que aunque recuerda ineludiblemente a la filmografía de los hermanos Cohen, está más filtrada al público general donde aquellas se perdían por densas y absurdas, cualidad que por otro lado publicitaban. McDonagh se ha desmarcado desde que hizo Siete psicópatas, cuyo punto a recordar quizás era la violencia repentina de algunos momentos. Me perdonaréis si digo que el actual me parece un momento cumbre de lucidez en su carrera.

Para más inri su punto de mayor contacto de esta propuesta es con Fargo, que cuestiona las capacidades de la policía en centro-norte-América, con comedia negra, con ni más ni menos que la misma actriz principal, puede ser para que se noten las referencias.

NIHILISMO EN CLAVE DE MELODRAMA

Sin embargo el tono no es el mismo que en el universo Coen, aquí es mucho más melodramático, y entre muchas risas se nota que hay un cauce narrativo, manteniendo el respeto y la seriedad en los temas centrales. Aunque no diré que es impecable, hay cuidado en el guion para que se entienda que el director controla lo que pueda parecer un cliché y que los clichés no le dan miedo.

Si algo nos diferencia del tono de los Coen es que no hay maniqueísmos: ni hay malos, ni hay buenos, ni hay perdedores ni ganadores. Hay, seguramente, antihéroes, algo que casa completamente en una narrativa en la que no hay soluciones, no hay respuestas a la pregunta de la muerte, solo hay finales abiertos, ya que el final del luto lo pone cada uno cuando lo vea necesario.

UNA HEROÍNA CASCARRABIAS

No hay una solución correcta al conflicto de la pérdida de un ser querido, es desesperanzador, pero lo único que nos queda es cómo posicionarse. Y en eso, McDormand es una heroína, quizás justamente porque la solución convencional de pasar página no le vale.  Su mal humor y terquedad son un emblema y su impertinencia es lapidaria. Sin embargo el guión resalta en varias ocasiones su gran corazón.

Pues quizás el golpe de gracia del guión es que los personajes no evolucionan, están enrocados en la injusticia, en la ira.  Porque su heroicidad está en la preservación de su honor. Frances MacDormand quisiera pasar página, es lo que se supone mejor para ella, y la sucesión de acontecimientos le invitan a hacerlo, pero ella no puede. Eso tendrá consecuencias familiares y emocionales, pero no puede. Debe remover hasta la última piedra hasta dar con el asesino de su hija. Y esa fortaleza y terquedad hacen que te enamores locamente del personaje. Sigue luchando por ella, y en cierto modo, lucha por lo que tú dejaste de luchar hace tiempo. Tres Anuncios es catártica, divertida y conmovedora, y siendo sincero, deberías verla.

La tendència en els dibuixos animats occidentals d’avui: globalització, progressisme i qualitat

A dos anys per tancar la dècada del 2010, podem mirar enrere i veure el canvi en ambicions i valors que ha pres l’entreteniment per als nens a l’animació als estats units.

Els dibuixos s’estàn transformant en quelcom transnacional, cosa que vol ser l’objectiu també de les nouvingudes produccions animades de grans plataformes de televisió per internet com Netflix o HBO. Aquests agents del mercat són conscients que internet ha estat fent la feina bruta de portar programes de qualitat d’una banda del món a l’altre on no hi tenen distribució, posant com exemple, quan la televisió catalana va deixar de invertir en anime japonès quan hi havien acostumat el públic durant vint anys.

La presència d’un internet que posa a l’abast un món sense fronteres ha portat a l’auge del dibuixos de culte que tenen bases de fans clares que es troben a la xarxa, en espais com tumblr o deviantart. Els artistes tenen també cada cop més influències i més variades a la seva feina, i el seu talent jove normalitza els valors del nou segle.

Podem parlar de The Legend Of Korra (Nickelodeon, 2012–), una fantasía d’acció amb una protagonista forta que té tendències bisexuals i que no está caracacteritzada com a ultrafemenina com podria haver-ho estat una heroina més clàssica com la Sailor Moon. Una altra heroina és Star Butterfly de Star vs. The forces of Evil (Disney XD, 2015-), una princesa que no controla els seus poders màgics sent esbojarrada i maldestre al més pur nivell de Daniel el Travieso.

El segon protagonista de la sèrie és un adolescent mexicà que sap karate, cosa que mostra el suport de Disney cap als “latinos”, un dels grups socials menys representats d’Estats Units, fent de Star Vs. The Forces of Evil junt amb la película Coco (Pixar, 2017), dos recolzadors aférrims del moviment Dreamer, dels joves de families inmigrants hispanes que volen integrar-se a la societat americana amb una actitud exemplar a les escoles, però que no podràn fer-ho amb les lleis DACA derogades per Trump.

Si estem parlant de dibuixos amb milatantisme, podriem parlar de Steven Universe (Cartoon Network, 2013–) on tres heroïnes, les “gemes de cristall” eduquen a noi de 12 anys mentres protegeixen la terra d’una invasió extraterrestre, deconstruint l’esquema de la familia tradicional i trencant el que els activistes LGBT adverteixen negativament com heteronorma. Com a éssers inorgànics, les gemes de cristall no tenen gènere pel que poden tenir relacions platòniques entre sí, per molt que estiguin caracteritzades indistintament com a dones.

L’èxit LGBT amb més bombo de l’any en matèria de dibuixos animats podria ser, tot i així, el curt gay In A Heartbeat (2017) sobre dos nens enamorats. No és difícil fer un curt així, en especial quan se’n encarreguen un parell d’estudiants d’acadèmia d’arts per a portar-lo a festivals, però si és fàcil que les grans productores dirigides per l’ànsia comercial rebutgin aquestes idees. In a Heartbeat és, sense massa mèrit, la primera bombolla en arribar a la superfície del que sembla ser una nova generació d’artistes.

Al bressol de l’animació Americana moderna, l’acadèmia d’Arts de Califòrnia fundada per Disney en persona, saben una cosa o dos sobre anar contra un corrent que els demana ser metges i viure de diners, a més són joves amb gran sensibilitat, apasionats pel còmic i el manga. Els estudiants d’arts estàn ja a un altre nivell de consciència, i veuen superades aquestes lluites socials que els nascuts als 80 i abans necessiten repetir-se com uns lloros fins que les aprenen. D’ells aprenem  que la

millor transgressió és la aplicació cotidiana dels propis valors, que un projecta en la seva obra el que li hauria agradat veure. Ells fan de la inclusió social una cosa orgànica, mentre que molts altres competidors ho fan semblar una cuota de representació que s’ha de complir per a tenir més públic. Aquest es l’estat de l’art a nord Amèrica.

Potser n’hem après alguna cosa a Espanya, en una indústria molt pobre, on la emergent productora Kotoc ens ha deleitat amb la protagonista femenina dels dibuixos de futbol fantastic Sendokai Desafío Champions (RTVE, 2013— ), un cosí de Futbol galàctic (France 2, 2006) orientat per al públic de 6 a 10 anys. O potser no n’hem aprés, tenint en compte que la següents aposta  de la mateixa productora són una espècie de legos fent humor escatològic. Si és una cosa o altra, només el temps ho dirà.

Aquest article va ser publicat primer com una tribuna d’opinió en Aranés a La Gaseta Occitana d’Informacions Jornalet, a dia 02/02/2018.

Kimi no na wa (Your Name, 2017): Makoto Shinkai recuerda su nombre

Últimamente, estoy viendo esas aclamadas películas del año pasado y que pasé por alto. Ayer fue el turno de Kimi no Na wa. La miro con recelo porque no me gusta Makoto Shinkai y no le perdono en absoluto que en algún momento hiciera 5 centímetros por segundo, y en ella su posado intensito y cursi, un ritmo tan lento como un cercanías Barcelona o su ausencia de personajes memorables. Kimi no Na wa se nos presenta como algo similar a un apéndice de esta. Si Kimi no Na wa es el anime del año 2016 distribuido en España en 2017, seguramente debería competir a justícia por su título con Koe no Katachi, del mismo año pero nunca elegida por Selecta Visión para llegar a nuestros lares, lo mejor de Naoko Yamada después de dejar el género Idol.  Creo que el director de anime de nuestro tiempo es Mamoru Hosoda, y que Makoto Shinkai está trabajando con éxito para poder arrebatarle el puesto, pero va a tener que darnos algo distinto.

Tras exiliarse a Agartha, Makoto Shinkai quiso hacer algo más adulto en El Jardín de las Palabras, donde su gravedad metafísica se hace mucho más coherente, pero era una película sencilla, poco ambiciosa en planteamiento (pero funcional) que no apuntaba más allá.

Tu nombre ha sido su redención en el género shôjo, y podemos juzgar que estos nueve años de carrera han jugado a favor de Shinkai.

La idea de la cinta parte de una tópico romántico raído como el hilo rojo del destino, pero lo resignifica a través de una lógica propia que desarrolla giros de trama inesperadas y lo abre a muchas posibilidades.

Por una vez, esta es una película con un gran ritmo gracias a la narrativa de Ponte en mi Lugar, el intercambio de cuerpos entre una chica de pueblo y un chico de ciudad. Es siempre entretenida y se dirige dónde quiere ir: cuando no es una película amable es porque hay un misterio, y cuando no hay un gran obstáculo que se quiere evitar. Se puede decir lo mismo de su fantástica música que también le aporta un gran ritmo y sigue por generar este embalaje de momento músical, de anime impostado: puede que esta sea una de las razones que han hecho a Kimi no Na wa tan exportable, y haya hecho de ella un punto de entrada de muchos neófitos a este tipo de cine.  Y es que este película de animación no sólo tiene opening, si no que tiene cuatro temas principales.

Hay que añadir que para al tono dramático al que nos tiene acostumbrados Makoto-sama, esta película termina bien, sin pasarse, con grandes paralelismos a aquel anticlímax de 5 cm/s, y la escena es tan parecida que casi parece una carta abierta de disculpa para todos los que la vimos, que demuestra que ha madurado precisamente deshaciéndose del derrotismo y gravedad adolescentes, que una película romántica puede mantenerse en la memoria sin que se termine el mundo de los protagonistas.

La sensibilidad mezclada con la trama sobrenatural, la música, esa superforma del anime contemporáneo y el uso de decorados bellicistas por ordenador que siempre ha definido a Shinkai y que ya ha perfeccionado, han hecho de esta una película que ha calado en los cines, y yo estoy dispuesto a secundarlo.